12 najpoznatijih slika Ermitaža

Recenzija najboljeg prema ocjeni uredništva. O kriterijima za odabir. Ovaj materijal je subjektivan i ne predstavlja oglašavanje i ne služi kao vodič za kupovinu. Prije kupnje, trebate se posavjetovati sa stručnjakom.

Muzej Ermitaž koji se nalazi u Sankt Peterburgu prava je umjetnička palača u čijim se zidovima čuvaju mnoga neprocjenjiva remek-djela. Jedan je od pet najvećih i petnaest najposjećenijih muzeja umjetnosti na planeti. Ermitaž je stvorila carica Katarina II kao privatnu carsku kolekciju i u početku je bila smještena u posebnom malom aneksu. Otuda dolazi ime, jer u prijevodu s francuskog Ermitaža (ermitage) znači “mjesto samoće”. Vremenom je kolekcija znatno porasla i 1852. godine postala je dostupna široj javnosti. Do danas, broj eksponata u muzeju, koji se sastoji od pet zgrada, premašuje tri miliona. Zbirka slika, koja uključuje djela najboljih umjetnika iz različitih zemalja i razdoblja, od posebne je vrijednosti. Ispod je dvanaest poznatih slika koje se mogu vidjeti u Ermitažu.

Pregled najpoznatijih slika Ermitaža

“Apostoli Petar i Pavle”, El Greco

Ocjena: 5.0

Radovi umetnika pod pseudonimom El Greco, čije je pravo ime Domenikos Theotokopoulos, odlikuju se svojim individualnim stilom. Pomiješali su obilježja manirizma i ekspresionizma razdoblja španske renesanse. Smatra se da je slikar jedan od prvih koji su zajedno slikali apostole Pavla i Petra. Platno prikazuje suprotstavljanje likova i duhovni svijet ove dvije najvažnije kršćanske figure. Ovaj kontrast omogućio je da umjetnički jezik prenese važne religijske probleme tog doba. Paul je prikazan kao snažna, odlučna ličnost, njegova ruka moćno počiva na Svetom Pismu, pogled odaje nepokolebljivo, gotovo fanatično samopouzdanje. Nasuprot tome, Petar je oličenje refleksije i unutrašnje sumnje. Ovo se tumačenje značajno razlikovalo od crkvenih normi s kraja 16. vijeka, kada je slika naslikana, ali u cjelini je bilo sasvim u skladu s Evanđeljem. Apostol Petar bio je poznat po svojoj nedosljednosti, dok je Pavle, u početku žestoki progonitelj kršćana, kasnije postao jednako žestok pobornik kršćanstva.

Razlika u razmišljanjima apostola naglašena je ne samo njihovim izrazima lica i držanjem, već i koloristički. Umetnik je Pavlovu sliku istaknuo uz pomoć upečatljive tamnocrvene odeće, a njegovo lice takođe ima intenzivniju, živahniju boju. Općenito, kompozicija stvara atmosferu uzvišenosti i tjeskobe, karakterističnu za svu kreativnost temperamentnog El Greca.

“Madonna Conestabile”, Raphael Santi

Ocjena: 4.9

Ovo je jedno od najranijih djela poznatog talijanskog renesansnog slikara, naslikao ga je oko 20. godine, boraveći u gradu Perugi. Kupac slike bio je vojvoda Alfano di Diamante. U početku je to bila jednostavno “Madona i dijete”, moderno ime joj je dato u ime vlasnika Giovannija Conestabilea, koji je naslijedio platno zajedno s luksuznom palačom. Remek-delo je u Rusiju došlo zahvaljujući caru Aleksandru II, koji ga je kupio na poklon svojoj supruzi Mariji Aleksandrovni.

Lirska ženska slika majke koja drži dijete u naručju predstavljena je u pozadini brdovitog krajolika Umbrije (regije Italije susjedne Toskani). Figura Madone glatkih linija prekrivena velom ramena savršeno izgleda u okviru okrugle slike. Sastav izgleda vrlo holistički i skladno zbog objedinjavanja smjera pogleda likova – a majka i beba gledaju u knjigu. Pretpostavlja se da je stvarajući ovo djelo Raphael inspiraciju crpio iz sjećanja na prirodu svojih rodnih mjesta i rano umrle majke.

Pijač apsinta, Pablo Picasso

Ocjena: 4.8

Početkom 20. vijeka tema poroka i ovisnosti bila je prilično popularna u francuskom slikarstvu, posebno absintu. Izuzetno jako, halucinirajuće piće postalo je pravi fetiš pariškog beau mondea. Uz to, dvadesetogodišnji umjetnik upravo je imao “plavo razdoblje”, tokom kojeg je napisao uglavnom scene ispunjene samoćom i prazninom. Glavni lik slike prikazan je u svoj ružnoći osobe koja je izabrala put samouništenja. Sjedi u uglu, ograđena od svih, jedini suputnici su joj plavi sifon i čaša zelenog pića. Na zidu se iza nje nalazi ogledalo u kojem se odražava svijetli vanjski svijet, ali žena više voli svoje maštarije i halucinacije, generirane djelovanjem opojnog alkohola, nego njega.

Dramatičnost radnje pojačana je iskrivljenim, predugim prstima, kojima se pije apsint, kao da pokušava zaštititi svoje iluzije od stvarnosti. Zamrznuta u neprirodnoj pozi, činilo se da se pretvorila u neživi predmet, povezavši se s bocom i čašom koja je stajala na stolu. Ova simbolika prenosi se i u bojama i u sličnim obrisima žene i apsinta.

Povratak izgubljenog sina, Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Ocjena: 4.7

Rembrandt je stvorio velik broj slika na biblijske teme, ali jedna od najprepoznatljivijih je radnja pokajanog rasipnog sina, koji se vratio ocu nakon što je potrošio svu imovinu. Ovo remek-djelo napisano je u kasnom periodu umjetnikovog rada, koji je u njega uložio ne samo nakupljeno iskustvo, već i emocije zbog gubitka sina Tita. Glavni likovi na platnu nisu centrirani, već su majstorski istaknuti svjetlošću. Ovo je klečeći sin i otac koji mu se klanja, a cijelo držanje i izraz lica ukazuju na apsolutno opraštanje. Jasno je vidljiv kontrast između bogate odjeće članova porodice i izuzetno siromašne odjeće sina dovedenog do potpunog siromaštva.

Slika usmjerava pažnju gledatelja ne toliko na događaj koliko na emocionalna iskustva učesnika ove porodične drame. Pored oca i sina, platno prikazuje još četvero ljudi, čije ličnosti i dalje ostaju misterija. Rembrandtovo stvaralaštvo 1967. poslužilo je kao nadahnuće slavnom britanskom kompozitoru Benjaminu Brittenu, koji ga je, vidjevši ga samo jednom tokom turneje po tadašnjem sovjetskom Ermitažu, nedugo kasnije napisao muzičku operu izgubljeni sin.

“Žena koja drži fetus”, Paul Gauguin

Ocjena: 4.7

Slika je takođe naslovljena “Eu haere ia oe”, što znači “Kamo ideš?” i u osnovi je fraza kojom su se Tahitijci pozdravljali kad bi se upoznali. Gauguin ga je napisao tokom boravka u Polineziji, gdje je došao u potrazi za inspiracijom i skladom s prirodom. Egzotična vegetacija, puna jarkih boja, ostrvski život i jedinstvena kultura ostavili su na njega ogroman utisak. Ali umjetniku su se posebno divile Tahitijanke koje su se po svojoj jednostavnosti i primitivnoj gracioznosti jako razlikovale od Europljanki. Jedna od ovih lokalnih stanovnika prikazana je u prvom planu slike, sa zelenkastim plodom u rukama (najvjerovatnije, služi kao posuda za vodu). Dvoje drugih sjede u blizini koliba, drugo promatra izdaleka, držeći dijete u naručju. Ovo je česta epizoda iz svakodnevnog života otočana, ali u njoj Gauguin vidi utjelovljenje prirodnog ritma prirode.

Želja da se prenese ljepota egzotičnih i gotovo netaknutih civilizacijskih mjesta dovela je do odstupanja od gotovo svih tradicija i pravila tradicionalnog slikarstva. Individualni stil koji je stvorio umjetnik pretpostavljao je generaliziranje, prijenos oblika i svjetlosti uz minimum sredstava. Živahna paleta boja platna odražava atmosferu sparnog tropskog dana. A mirni, opušteni položaji ljudi i lisnati uzorci na njihovoj odjeći simboliziraju duhovni odnos sa okolinom u kojoj žive.

“Kompozicija VI”, Wassily Kandinsky

Ocjena: 4.7

Kandinski je bio jedan od prvih apstraktnih umjetnika na svijetu. Doprinos ruskog umetnika razvoju ovog smera slikarstva toliko je velik da je za njegov rad dodeljena posebna sala u Ermitažu. Stvoren 1913. godine, “Kompozicija VI” jedno je od najzanimljivijih djela, jarke boje i zamašni slobodni potezi savršeno odražavaju dinamiku olujnog početka nove ere u umjetnosti 20. vijeka. U početku se koncept platna formirao nakon pisanja skice na temu biblijske poplave. Međutim, kasnije je Vasilij odlučio napustiti ideju vezivanja za određeni događaj, ostavivši gledaocu da samostalno protumači značenje i emocionalnu komponentu.

Neobjektivni svijet slike pojavljuje se u obliku ritmičke izmjene zavoja, linija i mrlja u boji. Prema samom umjetniku, na platnu postoje dva kompozicijska centra: ružičasti s lijeve strane oko kojih se pjenušavaju plavi “valovi” i crvenoplavi s grubim, oštrim linijama. Izmjena grubih i glatkih dijelova platna, kao i uravnoteženje međusobno kontradiktornih elemenata, omogućili su postizanje cjelovitosti apstraktne radnje.

Dama u plavom, Thomas Gainsborough

Ocjena: 4.7

Ova se slika s pravom smatra najboljim svojstvom kolekcije engleskog slikarstva koja se čuva u Ermitažu. Uprkos fascinaciji Gainsborougha temama pejzaža, postao je poznat prvenstveno po svojim sofisticiranim romantičnim portretima. Prema popularnom vjerovanju, na platnu je prikazana vojvotkinja Elizabeth Beaufort, kćerka admirala Boscawena. Glavna karakteristika umjetnika bila je ta što je težio da prenese ne samo ljepotu, već i raspoloženje, pojedinačne karakterne osobine modela, kako bi slika bila što živija. U njegovim djelima nema pretjerane ukočenosti svojstvene baroknom dobu. Slika se odlikuje skladnom shemom boja, kombinirajući nijanse plave i sive. Naslikana je laganim potezima, različite gustine i oblika, ponekad tako tanka da platnena tkanina prodire kroz boju.

Posebnu pažnju privlači visoka i složena perika koja zauzima značajan dio kompozicije – autor je s posebnom pažnjom nacrtao ovaj element ženske slike, moderan u 18. stoljeću. Šešir s nojevim perjem također je danak modi, kao i upotreba bijelog praha za matiranje vrata, ramena, pa čak i prsa, jer se bljedilo kože smatralo sastavnim atributom aristokracije.

“Most Waterloo. Učinak magle”, Claude Monet

Ocjena: 4.6

Francuski umjetnik Claude Monet bio je jedan od onih koji su stajali u izvorima impresionističkog smjera slikanja, izuzetno popularnog u 20. stoljeću. Ciklus slika, ujedinjenih temom londonskog mosta Waterloo, započeo je tokom boravka u hotelu Savoy, koji je gledao na Temzu. Eksperimentator i zagovornik avangarde, Monet je često istraživao mogućnosti prenošenja različitih atmosferskih uslova pomoću boja. I naravno, nije propustio priliku da uhvati čuvenu maglu koja obavija glavni grad Velike Britanije. Započevši u Londonu, umjetnik je rad već završio u svojoj francuskoj radionici, po sjećanju, dok je prenosio ne toliko obrise grada i rijeke koliko svoje osjećaje iz krajolika koji je volio.

Sliku Kloda Moneta najbolje je gledati iz daljine – tada se kaotični na prvi pogled kaleidoskop poteza magično pretvara u most i vode Temze s maglom koja se kovitla nad njima, fabrički dimnjaci i siluete plutajućih čamaca postaju jasno vidljivi. Shemom boja očito dominiraju jorgovan i nijanse plave – stoga je autor odlučio prenijeti atmosferu melanholičnog Londona uronjenog u maglu.

“Portret glumice Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir

Ocjena: 4.5

Portreti žena bili su najvažniji dio Renoirovog stvaralaštva. Nadaleko je poznat po svojoj seriji slika s glumicom Jeanne Samary, koja je živjela u blizini umjetnika i spremno mu dolazila pozirati. Ukupno su stvorena četiri portreta, koji se međusobno razlikuju kompozicijski i koloristički. Ova se slika smatra jednim od Renoirovih najimpresionističkih djela. Karakterizira je slobodan stil na ivici nemara, uz pomoć kojeg se prenosi atmosfera svježine, mladosti i lagane ženstvenosti modela. Vrijedno je napomenuti da je autorica malo uljepšala Jeannein izgled kako bi na platnu prenijela svoj unutarnji šarm i ljubav prema životu.

Nakon što je slika prikazana na trećoj izložbi impresionista, izazvala je veliku pomutnju i većina gledatelja bila je sklonija kritikama. I nije iznenađujuće, jer je krajem 19. stoljeća dekorativno, romantično slikarstvo i dalje bilo traženo, a impresionizam je tek bio trend u nastajanju. Štoviše, njegova odabrana kombinacija zelene haljine na ružičastoj pozadini smatrana je neprimjerenom. Međutim, u uskom krugu znalaca, umjetnikova hrabrost, slijedeći ne tradiciju, već vlastita osjećanja, naišla je na pozitivan odgovor.

“Svirač lutnje”, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Ocjena: 4.5

“Svirač lutnje” jedno je od ranih djela Caravaggia, izvedeno krajem 16. vijeka po nalogu pokrovitelja njegovog djela, kardinala Francesca del Montea. Slika prikazuje mladića koji sjedi za stolom i prati se na lutnji. Zbog mekih, androginih karakteristika izgleda, dugi niz godina bio je zamijenjen sa djevojčicom, platno je čak bilo izloženo u muzeju pod nazivom “Svirač laute”. Prema mnogim istoričarima umjetnosti, glavni lik naslikan je s Mariom Minnitijem, mladim sicilijanskim umjetnikom. Neizravni dokaz da je Caravaggio nacrtao samo mladića je muzička knjiga, otvorena za basovski dio Jacoba Arcadelta, popularnog tih godina, “Voi sapete ch’io vi amo” (znate da vas volim). Teško da bi žena izabrala takvu melodiju, a kamoli činjenicu da se lutnja tradicionalno smatrala muškim instrumentom.

Karakteristična karakteristika umjetnikovog stila bila je vještina rukovanja svjetlosnim svjetlom, a ovdje možete vidjeti njegovu omiljenu tehniku ​​- istrgnuti kompoziciju iz sutona jednim izvorom svjetlosti. Svi objekti odražavaju odsjaj koji pada na njih u strogom skladu sa zakonima fizike. Ova vjerodostojnost vjerojatno je bila posljedica bliske komunikacije Caravaggia s istaknutim naučnicima, uključujući Galilea Galileija i Giovannija Batistu della Porta, autora znanstvenog rada o refrakciji. Semantičko značenje slike, prema popularnoj verziji, leži u istodobnom hvaljenju harmonije života i tuge zbog njegove prolaznosti. Autor je napisao još dvije verzije ovog djela, od kojih se jedna danas čuva u njujorškom muzeju Metropolitan, a druga – u britanskoj rezidenciji Badminton House.

“Danae”, Ticijan Vecellio

Ocjena: 4.5

Venecijanski umjetnik visoke renesanse, Tizijan, u svom se radu više puta okrenuo temama antičke mitologije. Sliku “Danae” napisao je za španskog kralja. Njegova radnja temelji se na drevnoj grčkoj legendi o kćeri Akrisija, kralja Argosa. Čuvši predviđanje dvorskog proročišta o smrti od vlastitog unuka, kralj je zatvorio svoju jedinu kćer u neosvojivu kulu, do koje nijedan smrtnik nije mogao doći. Međutim, moćni bog Zevs, očaran njenom ljepotom, uspio je prodrijeti do Danaje u obliku zlatne kiše. Kao rezultat te veze rođen je polubog i drevni heroj Perzej.

Umetnik prikazuje Danae kao smirenu i veličanstvenu, ona prihvata ljubav neba bez uznemirenja ili čak iznenađenja. Lice djevojke djelomično je prekriveno sjenom, ali obline njenog tijela, naprotiv, preplavljene su mekom zlatnom svjetlošću. Ova Tizianova slika svojevrsna je himna senzualnosti i ženskoj ljepoti. Sam slikar nazvao ju je pjesmom na platnu.

“Madonna Benois” Leonarda da Vincija

Ocjena: 4.5

Slika, poznata i kao “Madona s cvijetom”, ime je dobila po posljednjim vlasnicima – ruskoj dinastiji umjetnika i kolekcionara Benoa. Ovo je djelo stvorio briljantni talijanski majstor slikarstva kada je imao 26 godina, u to je vrijeme već bio završio studije kod Andree Verrocchio. Tema Madonne bila je tražena u umjetnosti mnogo prije Leonarda, ali uspio je udahnuti novi život raširenoj biblijskoj priči. Odbacujući idealan i veličanstven, ali beživotan izgled, umjetnica pokazuje svijetu zemaljsku Madonu, zadubljenu u radost majčinstva. Njeno mladalačko lice krasi osmijeh koji se ranije smatrao neprimjerenim u liku Kristove majke. Marija pruža sinu cvijet krstaša, koji simbolizira raspeće. No, uprkos vjerskom značenju, ovo je prije svega priča o sretnom porodičnom životu i želji za upoznavanjem svijeta.

Sastav platna sadrži dva izvora svjetlosti. Jedan od njih je mali prozor iza Madone, ali glavno svjetlo lije se gore lijevo, kojim umjetnik “izvlači” figure iz sumraka sobe i daje im volumen izvrsnom igrom svjetla i sjene. Slika je naslikana uljnim bojama, što je omogućilo detaljno i realno prenošenje i najmanjih karakteristika teksture tkanina. Tehnika uljanog slikanja bila je inovacija za Italiju u kasnom 15. stoljeću, a da Vinci je bio jedan od prvih koji ju je koristio u svojim radovima.

Pažnja! Ova ocjena je subjektivna i ne predstavlja reklamu i ne služi kao vodič za kupovinu. Prije kupnje, trebate se posavjetovati sa stručnjakom.